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Sculptrice argentine installée en France, née en 1931 à Buenos Aires.

J’ai fait la connaissance de Virginia Tentindo en 1997, en rejoignant le comité de rédaction de la revue Supérieur Inconnu, dont elle était membre. Je me souviens, lors de ma première visite dans son atelier, en compagnie de Sarane Alexandrian, avoir été saisi par la beauté convulsive de cet art, en prise directe sur Merveilleux. Virginia nous a toujours accueillis avec une générosité rare et une hospitalité toute argentine, telle une « prêtresse de la Terre-de-Feu » au sein de son sanctuaire onirique, constitué de terres cuites, de bronzes, de marbres, de sa faune et de sa flore, le tout, sorti d’un imaginaire des plus fertiles. Cet atelier, l’écrivain surréaliste José Pierre l’évoqua en 1986, comme « la fabrique des dieux ». Les sculptures de Virginia Tentindo, à la fois sensuelles et terribles, associent des têtes de félidés avec des corps d’hommes et de femmes, aux jambes qui se fondent en une seule, longue et flexible comme un serpent. Ces humanimaux, tels que les appelle Sarane Alexandrian, ont l’air de plantes carnivores. Il ne s’agit pas d’hybrides tels qu’en fabriquent des artistes enclins à des effets insolites faciles, car l’originalité de Virginia est justement de ne pas faire d’assemblages arbitraires. Julio Cortázar a ainsi pu écrire (in Voyage vers un temps pluriel) que chez Virginia Tentindo, « tout est ou peut être mandragore, Gorgone, hermaphrodite, rite phallique, hiérogamie et pourquoi pas épiphanie ». Car rien n’est donné sur un seul plan et la multiplicité des essences est, pour plusieurs de ses sculptures, comme une invite à s’approcher et à toucher ; alors on découvre que ces pièces ne commençaient ni ne finissaient à leur contour visuel mais que le toucher est là pour ouvrir une seconde porte basse. L’art de Tentindo n’est jamais apparence mais toujours intériorité. On dirait, écrit encore Cortázar, « que la nature s’interroge alors sur sa persistante monotonie et cherche à travers l’art quelque chose de plus que l’imitation que lui impartit Oscar Wilde, une rénovation capable de nous arracher à la routine génétique. Là, tout est substitution, parachèvement et ouverture vers de nouvelles constellations de formes. »

Parcours

Virginia Tentindo expose ses premières sculptures à seize ans et ouvre à dix-huit ans sa propre galerie à Buenos Aires. Elle participe aux activités du groupe surréaliste de Buenos Aires et fréquente les surréalistes argentins Juan Andralis, Julio Silva et Víctor Chab, disciples du peintre Juan Batlle Planas.

Installée à Paris en 1953, elle rejoint le groupe surréaliste parisien et travaille comme maquettiste, graphiste et illustratrice de livres. Pour le cinéma, elle recrée en figurines le Sacre de Napoléon pour l’Austerlitz d’Abel Gance et réalise la poupée que brûle l’héroïne de La Fiancée du pirate de Nelly Kaplan.

Elle revient pleinement à la sculpture dans les années 1970 et travaille dès lors entre ses ateliers du Bateau-Lavoir, à Montmartre, et de Pietrasanta, en Toscane. En 2011, un colloque, « Chimères surréalistes », lui est consacré à Florence, et Fabrice Maze lui dédie le film Minimes innocences.

L’œuvre

Bronze, terre cuite, céramique, marbre : ses sculptures, parfois de grand format, mobiles ou transformables, mettent en scène mythes, dieux, démons et chimères, sous le signe de l’érotisme et du rêve. Elle crée aussi des bijoux, réalisés entre 1978 et 1995 par la fonte à la cire perdue et reprenant en miniature ses grandes pièces, ainsi que des livres-objets. Sa Mandragore (1983) a servi de trophée au 36e Festival de Cannes.

El fuego ! C’est cela Virginia Tentindo, le tango du Feu de la vie et de la passion ; le Feu du désir et de la poésie ; le Feu de la métamorphose et celui de l’alchimiste qui, de son Athanor, ressort de l’or émotionnel en terre-cuite : un Chat d’octobre ou une Lionne des jours Terre-Lune.

Expositions et collections

• Expositions notamment à Bochum (1993), à l’ouverture du musée de l’Érotisme de Paris (1997), à Venise (2006) et à Tokyo (2016).
• Nouveau Musée National de Monaco : Ci-gît le verbe (2020, sculpture) et Pour que l’histoire recommence (1980, dessin), acquis en 2022 après l’exposition Monaco-Alexandrie, le grand détour ; bijoux présentés au salon Joya, Monte-Carlo, 13 au 16 novembre 2025.
• Exposition des 25 ans de la Galerie Les Yeux Fertiles, 22 mai au 19 juin 2026.

Poète et peintre français, né le 27 mai 1922 à Maisons-Laffitte (Yvelines), mort le 3 juin 1991 à Avignon.

Parcours

Pendant la Seconde Guerre mondiale, Claude Tarnaud découvre le surréalisme et le jazz, qui l’aident à s’affranchir d’une mère étouffante. Il écrit alors le Journal du scorpion, manuscrit aujourd’hui perdu. En 1946, il cofonde la revue La Révolution la nuit avec Yves Bonnefoy et Jaroslav Serpan, s’en éloigne vite, et rencontre André Breton. Il vit alors à Paris avec Claudine Merlin, dite Eaudine.

Membre du groupe surréaliste de 1946 à 1948, proche de Victor Brauner et de Stanislas Rodanski, il participe à l’Exposition internationale du surréalisme de 1947 et cofonde en 1948 la revue Néon avec Rodanski, Sarane Alexandrian, Jindřich Heisler et Véra Hérold. Il quitte le groupe la même année, lors de l’affaire Matta-Brauner, en désaccord avec l’exclusion de Roberto Matta.

En 1951, il épouse Henriette de Champrel, dite Gibbsy, qui illustrera plusieurs de ses textes, et s’installe à Genève comme traducteur pour l’ONU. Ses missions le mènent ensuite à Mogadiscio (1953-1959), Addis-Abeba, New Delhi et New York, où il vit de 1959 à 1962 ; il y organise en 1961, avec Marcel Duchamp, l’exposition Surrealist Intrusion in the Enchanters’ Domain à la D’Arcy Gallery, et contribue en 1966 à la naissance du groupe surréaliste de Chicago, autour de Franklin et Penelope Rosemont. De 1953 à 1966, il participe au mouvement Phases d’Édouard Jaguer ; avec François Di Dio, il dirige la revue Positions. Il quitte l’ONU et s’installe en 1969 à Salignan, près d’Apt.

L’œuvre

Poète, Tarnaud est aussi plasticien et auteur de tableaux-objets. Son premier livre, The Whiteclad Gambler, paraît à compte d’auteur à Genève en 1952. Suivent notamment La Forme réfléchie (Le Soleil noir, 1954, préface de Ghérasim Luca), Orpalée (1965, lithographies de Jean-Pierre Vielfaure), Les Cendres de l’eau (1974, dessins de Jacques Lacomblez) et, à titre posthume, L’Aventure de la Marie-Jeanne ou le Journal indien (2000, dessins de Jorge Camacho). Il collabore aux revues Edda, La Brèche, Phases et Supérieur Inconnu.

Expositions et collections

• Archives André Breton : manuscrit L’Iris tournoyant (16-17 février 1948) et lettres de Tarnaud à Breton.
• Donc te voilà nyctalope !, rétrospective, Paris, 2009.
• Prélude surréaliste, Galerie Les Yeux Fertiles, 7 juin au 6 juillet 2024.

Cinéaste d’animation et plasticien tchèque, né le 4 septembre 1934 à Prague.

Parcours

Jan Švankmajer étudie la scénographie à l’École supérieure des arts appliqués de Prague (1950-1954), puis la mise en scène et la scénographie au département des marionnettes de la faculté de théâtre de l’Académie des arts du spectacle (1954-1958). Après le Théâtre des masques, il rejoint vers 1962 la Laterna magika, où il dirige jusqu’en 1964 la compagnie de théâtre noir. Son premier film, Le Dernier Truc, date de 1964.

Il épouse Eva Dvořáková, la peintre Eva Švankmajerová, avec qui il entre en 1970 dans le groupe surréaliste tchécoslovaque animé par Vratislav Effenberger. De 1972 à 1979, il est interdit de tournage pour avoir refusé de céder sur le montage du Château d’Otrante, et travaille aux studios Barrandov comme décorateur et créateur de trucages. En 1991, il fonde avec Jaromír Kallista le studio Athanor, dans un ancien cinéma de Knovíz. Eva Švankmajerová meurt en 2005, peu avant la sortie de Lunacy.

L’œuvre

Après de nombreux courts métrages, dont Dimensions du dialogue, récompensé en 1983 par l’Ours d’or à Berlin et le grand prix d’Annecy, il réalise ses longs métrages : Alice (1988), Faust (1994), Les Conspirateurs du plaisir (1996), Little Otik (2000), Lunacy (2005), Survivre à sa vie (2010) et Insect (2018).

Dans son œuvre plastique, le collage est central depuis les années 1960 (le Svank-meyers Bilderlexikon, commencé au début des années 1970). À partir de 1974, il mène des expériences tactiles, dont il fait la synthèse en 1983 dans un livre diffusé en samizdat, Toucher et imagination ; les objets tactiles deviennent l’une des parts majeures de son travail.

Expositions et collections

• Globe de cristal du festival de Karlovy Vary pour sa contribution au cinéma mondial (2009).
• La subversion des images, Galerie Les Yeux Fertiles, janvier à mars 2025, avec un Sans titre (2009, collage réalisé à partir du matériel du film Survivre à sa vie, 45 x 54 cm).

Peintre, graveur et illustrateur suédois, né en février 1912 à Malmö, mort le 28 mai 1994.

Parcours

Max Walter Svanberg rêve d’abord d’être luthier. En 1929, il entre à l’atelier publicitaire du cinéma Palladium de Malmö, suit en 1931 et 1932 les cours de la Skånska Målarskolan, puis, refusé à l’Académie des beaux-arts de Stockholm en 1933, l’école de peinture d’Otte Sköld. Atteint de poliomyélite à l’automne 1934, il expose pour la première fois en 1935, chez Ekström à Stockholm. Il épouse en 1940 Gunni Sjöström, sa compagne depuis 1931, morte en 1982.

Il expose en 1943 avec le groupe Minotaure, à l’hôtel de ville de Malmö, puis fonde avec C. O. Hultén et Anders Österlin le groupe des Imaginistes (Imaginisterna), dont il rédige des déclarations en 1949 et 1950. André Breton découvre son œuvre en 1953 : en 1954, le n° 3 de la revue Médium, qu’il illustre, s’ouvre sur l’« Hommage à Max Walter Svanberg » de Breton, et en 1955 la galerie À l’Étoile scellée l’expose avec une préface de Breton. Il figure dans L’Art magique (1957), participe aux expositions internationales du surréalisme de Paris (galerie Daniel Cordier, 1959), New York (1960) et Milan (1961), et ne rencontre Breton qu’en 1964.

Il représente la Suède à la VIIIe Biennale de São Paulo en 1965. Il reçoit la médaille du prince Eugen (1965), entre à l’Académie royale des beaux-arts de Suède (1968) et reçoit la Légion d’honneur en 1969.

L’œuvre

Le corps féminin, mêlé d’éléments végétaux et animaux, est le motif central de son œuvre. Peintre, notamment à la gouache, il grave à partir de 1945, publie en 1950 un album de huit lithographies et pratique le collage (suite exposée en 1964). Il illustre les Illuminations de Rimbaud (1958) et conçoit en 1970 les décors et costumes du Misanthrope de Molière au Théâtre dramatique royal de Stockholm.

Expositions et collections

• Moderna Museet et Nationalmuseum (Stockholm), Malmö Museum, Göteborgs Konstmuseum ; Tate Modern et British Museum (Londres) ; Museum of Modern Art (New York) ; National Gallery of Art (Washington).
• Rétrospective au Konsthallen de Göteborg (1967) ; expositions en mémoire au Nationalmuseum et au Malmö Konstmuseum (1995) ; centenaire en 2012.
• Prélude surréaliste, Galerie Les Yeux Fertiles, 7 juin au 6 juillet 2024, avec un Sans titre (1960, gouache sur papier, 45 x 37,5 cm).

Peintre italien, né en 1927 à Rome, mort en octobre 2000 à Cavriago (Reggio d’Émilie).

Parcours

Formé à l’Accademia del Nudo, Ugo Sterpini se rapproche des recherches abstraites du groupe Forma 1 et participe aux expositions internationales de l’Art Club de Rome. Il figure en 1951 dans Arte astratta e concreta in Italia, à la Galleria Nazionale d’Arte Moderna de Rome, puis rejoint le groupe Origine. Il expose à la VIIIe Quadriennale de Rome (1959) et, en 1962, à la galerie La Nuova Pesa, dans une exposition personnelle conçue par Enrico Crispolti.

André Breton l’accueille dans le mouvement surréaliste. En 1964, il fonde avec Fabio De Sanctis l’Officina Undici, qui produit jusqu’en 1966 des meubles surréalistes. Il travaille aussi pour le théâtre à Rome et pour le cinéma, notamment avec Elio Petri (Un coin tranquille à la campagne, 1968 ; Todo modo). En 1977, à Reggio d’Émilie, il entre en contact avec Fluxus par l’intermédiaire de Rosanna Chiessi.

L’œuvre

Après le cycle des Iterazioni cromatiche du début des années 1950, qui rompt avec l’abstraction post-cubiste, puis les Liste di simbolismi et les Sabbie (1955), Sterpini revient en 1959 à une figuration très matiériste. Suivent les cycles des Giardini et de la Fantasia femminile (1966). À partir de 1967, l’assemblage domine (objets en plastique, peintures en relief, dessins) et un personnage inspiré de Max Ernst, le Pesce mummia (poisson momie), occupe son œuvre jusqu’à la fin des années 1970. Les années 1980 sont marquées par un cycle consacré à Polichinelle.

Expositions et collections

• CSAC, Centre d’études et archives de la communication, université de Parme : don de l’artiste (1998) et de ses héritiers (2002).
• Prélude surréaliste, Galerie Les Yeux Fertiles, 7 juin au 6 juillet 2024.

Poète, peintre et sculpteur français, né en 1935 à Boulogne-Billancourt.

Parcours

Au lycée, un professeur de philosophie fait découvrir à Jean-Claude Silbermann la psychanalyse et le surréalisme ; vers dix-huit ans, la lecture d’Alcools d’Apollinaire le décide à devenir poète. Il publie son premier recueil en 1959 et participe aux activités du groupe surréaliste jusqu’à sa dissolution en 1969. Il codirige la revue Bief (1958-1960) et collabore à La Brèche et à L’Archibras. Il signe la Déclaration des 121 (1960), le manifeste Pour un demain joueur (1967) et la Plate-forme de Prague (1968).

En 1962, sur les conseils du peintre Pierre Jaouën, il se met au dessin et réalise ses premières « enseignes » en bois découpé. Sa première exposition, Enseignes sournoises, a lieu en 1964 à la galerie Mona Lisa, à Paris, avec une préface d’André Breton. En 1965, il participe à L’Écart absolu, onzième Exposition internationale du surréalisme, à la galerie de L’Œil, avec Sauve qui peut, et conçoit le totem central de l’exposition, Le Consommateur.

Il prend part ensuite aux activités du mouvement Phases. Il a enseigné dans plusieurs écoles nationales d’art (Bourges, Nice, Limoges, Cergy-Pontoise). Ses œuvres ont été montrées notamment au MAMCO de Genève, à Prague, Stockholm, Brest et au Centre Pompidou.

L’œuvre

Poésie, dessin à l’encre ou au crayon, chansons, gravures, objets : l’œuvre de Silbermann circule entre les disciplines. Ses enseignes sournoises sont, selon Alain Joubert, des images peintes « automatiquement », découpées dans le bois et comme flottant sur le mur. Le rêve et l’inconscient en restent le fil conducteur.

« L’évidence poétique se place au carrefour de trois routes : la poésie, l’amour, la liberté. Là se tient Silbermann. » (André Breton)

Expositions et collections

• La Voyante (1961, huile sur toile, 46 x 61 cm ; anciennes collections André Breton et Arturo Schwarz), prêtée par la galerie à l’exposition Surréalisme du Centre Pompidou (4 septembre 2024 au 13 janvier 2025), acquise en 2025 par le Musée national d’art moderne.
• Hold-Up !, La Banque, musée des Cultures et du Paysage, Hyères, 25 mars au 4 juin 2023.