The artists
Sort by : Country
NameArt movement
Argentina
Leonor Fini44
Virginia Tentindo102
Austria
Josef Hofer77
Wolfgang Paalen47
Belgium
Jacques Lacomblez54
Brazil
Raimundo Camilo96
Marinela Pelosi73
Canada
Jean Benoit38
Mimi Parent91
Croatia
Slavko Kopac110
Cuba
Roberto Alvarez-Rios1
Jorge Camacho3
Joaquin Ferrer9
Alejandro Ramon105
Czech Republic
Karel Havlicek98
Stanislas Holas100
Lubos Plny72
Jan Svankmajer58
Dominican Republic
Ivan Tovar66
France
André Bauchant113
Pierre Bettencourt 39
Anselme Boix-Vives68
Bona Bona Pieyre de Mandiargues89
André Breton40
Henri Bureau2
Patrice Cadiou36
Aristide Caillaud112
Jacques Carelman35
( Roger Chomeaux ) Chomo74
Alfred Courmes5
Leonor Fini
Argentina
1908-1996
Née d'une mère italienne et d'un père argentin, Leonor Fini passe son enfance et son adolescence à Trieste en Italie, auprès de sa mère et de sa famille maternelle. Elle n'a pas connu son père, très tôt disparu. Dans un milieu bourgeois très cultivé, elle acquiert une culture cosmopolite. Elle quitte sa famille à 17 ans pour s'installer à Milan et commence à peindre, adoptant le classicisme et la peinture tonale à l'exemple de Carrà.

En 1937, elle quitte l'Italie pour Paris et rencontre André Breton et les surréalistes. S'inspirant de leurs théories, elle expérimente le « dessin automatique ». Elle se lie d'amitié avec Georges Bataille, Victor Brauner, Paul Éluard et Max Ernst sans jamais intégrer le groupe, n'ayant aucun goût, selon elle, pour les réunions ni les manifestes. C'est en solitaire qu'elle explore un univers onirique mettant en scène des personnages aux yeux clos (des femmes le plus souvent). Des jeunes gens, un peu androgynes, alanguis face à des sphinges protectrices évoluent ou rêvent dans un climat de fête cérémonielle où l'érotisme flirte avec la cruauté. Chez elle, la femme est sorcière ou prêtresse, belle et souveraine.

Sa première exposition monographique a lieu à New York, en 19392.

Leonor Fini a réalisé de nombreux portraits, tels que ceux de Jacques Audiberti, Jean Genet, Anna Magnani, confectionné des costumes pour le théâtre, le ballet et l'opéra et illustré des textes de Marcel Aymé (La Vouivre), d'Edgar Poe, du marquis de Sade (Histoire de Juliette, 1945).

De nombreux poètes, écrivains, peintres et critiques lui ont consacré des monographies, essais ou poèmes dont Jean Cocteau, Giorgio De Chirico, Éluard, Ernst, Alberto Moravia...

Quoique de façon parfois critique, des peintres comme Ivan Chtcheglov, Roger Langlais ou Le Maréchal se sont intéressés à certaines de ses œuvres, notamment ses paysages fantastiques.

Leonor Fini séjournait souvent retirée du monde, mais non sans festivités, ayant eu des maisons en Loire, en Corse (couvent saint François près de Nonza). Elle rencontre le diplomate italien Stanislao Lepri (1905-1980) en 1946, qu'elle encourage à peindre. Il devient son compagnon et la rejoint à Paris en 1950. Elle partage sa vie et son atelier avec Lepri, jusqu'à la mort de ce dernier en 1980.

Leonor Fini adorait les chats, elle a peint de nombreux tableaux et dessiné plusieurs esquisses et aquarelles en hommage aux chats. En 1977, elle consacra même un livre entièrement dédié à sa passion pour les félidés, Miroir des chats.

Elle meurt dans un hôpital de la banlieue parisienne, sans jamais avoir cessé de peindre et d'écrire3.

De 1939 à sa mort, on a recensé plus de 45 expositions personnelles en Europe et aux États-Unis3.

Neuf films ont été consacrés à son œuvre, dont La Légende Cruelle (1951) de l'écrivain et cinéaste lettriste Gabriel Pomerand.
Virginia Tentindo
Argentina
Surrealism
J’ai fait la connaissance de Virginia Tentindo en 1997, en rejoignant le comité de rédaction de la revue Supérieur Inconnu, dont elle était membre. Je me souviens, lors de ma première visite dans son atelier, en compagnie de Sarane Alexandrian, avoir été saisi par la beauté convulsive de cet art, en prise directe sur Merveilleux. Virginia nous a toujours accueillis avec une générosité rare et une hospitalité toute argentine, telle une « prêtresse de la Terre-de-Feu » au sein de son sanctuaire onirique, constitué de terres cuites, de bronzes, de marbres, de sa faune et de sa flore, le tout, sorti d’un imaginaire des plus fertiles. Cet atelier, l’écrivain surréaliste José Pierre l’évoqua en 1986, comme « la fabrique des dieux ». Les sculptures de Virginia Tentindo, à la fois sensuelles et terribles, associent des têtes de félidés avec des corps d’hommes et de femmes, aux jambes qui se fondent en une seule, longue et flexible comme un serpent. Ces humanimaux, tels que les appelle Sarane Alexandrian, ont l’air de plantes carnivores. Il ne s’agit pas d’hybrides tels qu’en fabriquent des artistes enclins à des effets insolites faciles, car l’originalité de Virginia est justement de ne pas faire d’assemblages arbitraires. Julio Cortázar a ainsi pu écrire (in Voyage vers un temps pluriel) que chez Virginia Tentindo, « tout est ou peut être mandragore, Gorgone, hermaphrodite, rite phallique, hiérogamie et pourquoi pas épiphanie ». Car rien n’est donné sur un seul plan et la multiplicité des essences est, pour plusieurs de ses sculptures, comme une invite à s’approcher et à toucher ; alors on découvre que ces pièces ne commençaient ni ne finissaient à leur contour visuel mais que le toucher est là pour ouvrir une seconde porte basse. L’art de Tentindo n’est jamais apparence mais toujours intériorité. On dirait, écrit encore Cortázar, « que la nature s’interroge alors sur sa persistante monotonie et cherche à travers l’art quelque chose de plus que l’imitation que lui impartit Oscar Wilde, une rénovation capable de nous arracher à la routine génétique. Là, tout est substitution, parachèvement et ouverture vers de nouvelles constellations de formes. »

Virgina Tentindo est née à Buenos Aires en 1931. Ses grands-parents sont des émigrés italiens qui s’étaient installés, comme tant d’autres en Argentine, non pas par goût de l’exotisme, mais pour des raisons multiples, dont l’exode d’une partie de la population du royaume des Deux-Siciles, Adolescente, elle fréquente les quartiers populaires de Buenos-Aires. Depuis son enfance, elle accompagne sa mère et son père dans les bals de nuit. La musique et la danse (surtout) joueront un rôle important dans sa vie comme dans son travail, qu’elle définira comme « une pratique du corps dans l’espace ».

Le père de Virginia est violoniste dans un orchestre de tango. Virginia Tentindo accomplit sa formation aux écoles Manuel Belgrano, Prylidiano Pueyrredon et Ernesto de la Cracova, avant de réussir le concours d’entrée et de suivre avec succès les cours de l’Ecole Supérieure des Beaux-Arts. A sa sortie des Beaux-Arts, Virginia Tentindo loue dans le centre de Buenos Aires, avec une amie de dix ans son aînée, un entresol qui a l’avantage de posséder un four et deux vitrines donnant sur la rue, pour exposer ses sculptures. C’est ainsi qu’à l’âge de dix-huit ans, soit deux ans après avoir exposé en 1947 ses œuvres pour la première fois dans la Galerie Peuser, elle put ouvrir sa propre galerie, baptisée du doux nom de Vahiné. Pour rentabiliser l’affaire, outre l’exposition de ses œuvres et de celles de ces collègues de l’Ecole Supérieure des Beaux-Arts, la jeune artiste donne des cours de modelage. Virginia ressent le besoin de s’assumer dans l’exil, que le tango chante et danse. Avant de quitter son pays, elle présente ses sculptures et ses gouaches dans la Galerie Krayd en 1952 dans une exposition argentine intitulée « Huit Jeunes Artistes Surréalistes ».

En 1953, elle quitte Buenos Aires avec ses amis Osky (le plus grand dessinateur de B.D. des années 50) et sa femme Ruth Varansky. Virginia Tentindo rejoint Naples en passant par Gênes, où se trouve une partie de sa famille. Durant son séjour à Naples, elle approfondie ses connaissances de la céramique et apprend la technique des émaux à Vietri sul Mare. Néanmoins, son désir est de venir s’installer en France. En septembre 1953, Virginia Tentindo arrive à Paris. L’émigrée argentine y est mal accueillie. Le combat commence et tout d’abord pour subsister : elle modèle des objets en terre cuite et travaille au noir dans des conditions difficiles, avant de regagner le soir une chambre sans électricité ni confort. Ce combat, elle le mènera seule durant dix ans. Puis, en marge de divers travaux, comme celui de décorer des boîtes à bonbons pour la maison Fouquet, Virginia Tentindo devient la secrétaire (assistante documentaliste) du poète surréaliste Philippe Soupault, pour qui il fait notamment des recherches dans les bibliothèques. Virginia Tentindo retrouve à Paris son amour de jeunesse : le peintre surréaliste gréco-argentin Juan Andralis (1927-1994). Deux ans plus tard, en 1955, elle retrouve également le peintre et sculpteur argentin Julio Silva, qu’elle épousera en 1959 et avec lequel elle aura deux enfants : Olivier et Stella.

En 1960, Virginia élargit le spectre de son art, en devenant créatrice de personnages en petit format (30 cm), grâce au cinéaste Abel Gance, qui pour son film Austerlitz, lui commande cinquante sculptures de figurines, d’après Le Sacre de Napoléon (1805-1807) du peintre Jacques-Louis David. Neuf plus tard, en 1969, elle réalisera les poupées du remarquable film de Nelly Kaplan, La Fiancée du pirate. Le couple Silva-Tentindo installe un atelier dans la maison familiale et travaille de concert à des œuvres graphiques, des travaux publicitaires et des illustrations diverses. Mais bientôt, après plusieurs périodes de turbulences, le couple se sépare définitivement. Virginia reprend son indépendance et doit assumer seule sa subsistance et celle de ses deux enfants. C’est ainsi qu’elle entame une carrière de graphiste et de maquettiste pour différents éditeurs dont le magazine Science & Vie.

En 1974, Virginia Tentindo s’installe à Pietrasanta, en Toscane, où elle apprend à travailler le marbre, à Torano près des célèbres carrières de Carrare. Dans les fonderies de Pietrasanta, puis de Bologne, elle commence à réaliser ses bronzes. En 1979, Virginia Tentindo installe son atelier au célèbre Bateau-Lavoir, à Montmartre dans le 18e arrondissement de Paris. Ce dans ce lieu que va travailler Virginia, tout comme l’un de ses amis, le peintre surréaliste hongrois Endre Rozsda. Dès lors, son œuvre, saluée et admirée par des personnalités aussi exigeantes que Nelly Kaplan, Julio Cortázar, Dolfi Trost, Théodore Brauner, José Pierre, Pierre Alechinsky ou Sarane Alexandrian, sera présentée dans de nombreuses expositions internationales, collectives et personnelles (130 expositions à 2013).

En 2011, l’Université de Florence et l’Accademia delle arti del disegno, avec le concours de l’Institut Français de Florence et du Centre de recherche sur le surréalisme, lui ont consacré un colloque, sous le titre de : « Les Chimères surréalistes de Virginia Tentindo », en même temps qu’une rétrospective, « Virginia Tentindo, Sculptures, Dessins », à l’Accademia delle arti del disegno. A cette occasion, fut projeté le film de Fabrice Maze et Jean-François Rabain Minimes Innocences consacré à Virginia Tentindo, soit à l’inventrice d’un monde dominé par le mythe, la poésie et l’érotisme ; un monde onirique qui ne cesse d’explorer davantage, toujours davantage, tant la matière que les arcanes de l’être, tout en prolongeant le surréalisme, dont elle est en sculpture l’une des représentantes, comme l’a écrit Françoise Py et avant elle, José Pierre (in L’univers surréaliste, Somogy, 1983).

El fuego ! C’est cela Virginia Tentindo, le tango du Feu de la vie et de la passion ; le Feu du désir et de la poésie ; le Feu de la métamorphose et celui de l’alchimiste qui, de son Athanor, ressort de l’or émotionnel en terre-cuite : un Chat d’octobre ou une Lionne des jours Terre-Lune. Virginia aux mains de flamme sculpte le feu sous la cendre.

Christophe DAUPHIN

Josef Hofer
Austria
né en 1945
Art brut
Biographie

Josef Hofer est en 1945 en Bavière. Lui et son frère Walter, né 5 ans plus tôt, souffrent d’un retard mental, de difficultés d’audition et d’élocution. Josef Hofer souffre également d’une mobilité limitée et ne parle presque pas. Leurs parents les élèvent dans une ferme en Haute Autriche et ne les scolarisent pas.

En 1982, le père d’Hofer meurt et sa mère part vivre à Kirchlag avec ses fils. Dès 1985, Josef Hofer fréquente l’hôpital de jour de Linz et, en 1992, il intègre l’institution de Ried, à Innkreis, en Autriche. Là, Élisabeth Telsnig, historienne de l’art et qui collabore à des ateliers pour handicapés mentaux, rencontre Hofer en 1997, découvre son goût pour le dessin et l’encourage dans cette voie. À partir de 1998, l’œuvre d’Hofer est conservée.
Œuvre

Selon les témoignages, Josef Hofer dessinait déjà enfant, il « recopiait des livres d’images » et représentait « son environnement immédiat, la vie paysanne, les chevaux, les chars, les outils, la vannerie, les machines agricoles. » 1. Néanmoins aucun dessin de cette époque n’a été conservé. Ce n’est qu’en 1998, grâce à l’intervention d’Élisabeth Telsnig, que sa production a été systématiquement préservée. À partir de 2001, Hofer dessine principalement des autoportraits en pied, déshabillés. "Il entoure ses nus avec des cadres, comme pour former un cocon protecteur. Frontaux, crus, le sexe rehaussé de rouge, ses corps sont souvent sans pieds ni tête ou alors contraints dans l'espace restant." 2 Michel Thévoz relie ce phénomène à deux évènements : l’achat d’un miroir dans lequel il s’observe plusieurs heures par jour et la découverte d’un album de quatre photographes américains qui traitent du nu masculin. Le sexe masculin est amplement représenté et l’onanisme est un des sujets récurrents de l’œuvre d'Hofer3.

Elisabeth Telsnig décrit sa méthode de travail comme suit: «Il parcourt l'atelier en riant, saisit immédiatement son matériel, un crayon noir, des crayons de couleur, une gomme et un taille-crayon, et travaille de façon autonome avec une grande persévérance. [...] Il gomme souvent, cherche sans cesse de meilleures positions pour ses figures ou des constructions plus précises pour ses machines. Il m'annonce clairement quand il considère son travail comme terminé, toujours en riant, et m'explique par signes le degré d'achèvement du dessin.»4.

Par le biais d’Élisabeth Telsnig, la Collection de l’Art Brut [archive] possède une centaine d’œuvres de cet artiste. Ce musée lausannois lui a consacré une première rétrospective en 2003 et une seconde en 2012. En outre d’autres collections ont accueilli son œuvre en leur sein telles que The Museum of Everything [archive], Art)&(marge [archive], Arnulf Rainer… Il a également été exposé par la galerie am Stein [archive] et par la galerie christian berst [archive]5.
Wolfgang Paalen
Austria
1905-1959
Surrealism
Wolfgang Paalen, né le 22 juillet 1905 à Vienne en Autriche et mort le 24 septembre 1959 à Taxco au Mexique, est un peintre, sculpteur et philosophe. Membre du groupe surréaliste autour d'André Breton en 1935, il joue un rôle capital comme peintre et inspirateur pendant son exil à Mexico après 1939. Il est fondateur et éditeur du magazine contre-surréaliste DYN, par lequel il cherche à réconcilier des tendances matérialistes et mystiques (délits en surréalisme) par sa philosophie de la contingence comme substitut au principe surréaliste de la nécessité involontaire. Il apparaît comme l'un des plus influents théoriciens de l´art abstrait pendant la Seconde Guerre mondiale.
Jacques Lacomblez
Belgium
1934
Surrealism
Jacques Lacomblez se passionne dès son adolescence pour le Romantisme allemand, Richard Wagner, Gustav Mahler, le Symbolisme, Charles Baudelaire, Stéphane Mallarmé, Arthur Rimbaud, le Surréalisme, l'histoire des Cathares, Karl Marx, Sigmund Freud et la psychanalyse ou encore, mystique athée, à certains aspects de la gnose orientale. Il peint ses premiers tableaux d’esprit surréaliste à l’âge de 15 ans lorsqu’il découvre l’univers de Giorgio De Chirico puis celui de Max Ernst qui exerce une forte influence sur son travail. Il a aussi une grande admiration pour Kandinsky et Piet Mondrian. En janvier 1952, sa première exposition a lieu à la Galerie Saint-Laurent, à Bruxelles, réputée pour être un haut lieu de découverte de jeunes talents.

Dans le domaine de l'écriture poétique, après avoir été influencé très jeune par Jacques Prévert, la découverte de Breton et de Benjamin Péret inaugure une nouvelle voie où l'automatisme prendra son importance. Mais l'empreinte de Mallarmé, de recueils comme "Serres Chaudes" de Maeterlinck et "Les Reposoirs de la Procession" de Saint-Pol-Roux restera déterminante. Jacques Lacomblez rencontre René Magritte au début des années 1950 et fréquente les poètes surréalistes belges comme E. L. T. Mesens, Achille Chavée, Marcel Havrenne, Marcel Lecomte ou Paul Nougé. En 1956, il fait la connaissance d'Edouard Jaguer, animateur du mouvement et de la revue "Phases", avec qui il collabore étroitement à l'organisation des différentes activités et participe aux nombreuses expositions en Europe comme en Amérique latine et en Amérique du Nord. Il crée les éditions et la revue "Edda" qui comptera 5 numéros (de 1958 à 1965), et les éditions "L’Empreinte et la Nuit" qui publient des recueils de poèmes de Daniel Abel, Achille Chavée, Claude Tarnaud et Jean Thiercelin ainsi que les siens.

En 1958, par l'intermédiaire de Jean-Jacques Lebel, il rencontre André Breton. À la même époque, il entre en relation étroite avec plusieurs surréalistes dont Georges Henein, Wifredo Lam, Karl Otto Götz, Robert Benayoun, Jean-Pierre Duprey, Gérard Legrand, etc.

Sous l’impulsion de Marcel Lecomte et de Breton, il passe un an en pays Cathares, principalement à Montségur et dans le Sud-Ouest de la France. Durant ce séjour marquant, il se lie d'amitié avec Jean Thiercelin, Adrien Dax et Christian d’Orgeix.

Lacomblez participe à deux importantes Expositions Internationales du Surréalisme : en 1959 à la Galleria Schwarz de Milan, intitulée "Mostra Internazionale del Surrealismo" et en 1961, à l’initiative de Breton et de Marcel Duchamp, à la Galerie D’Arcy à New-York, titrée « Le Domaine des enchanteurs ».

En 1963, débute une amitié jamais démentie avec le poète Claude Tarnaud 1; ensemble et avec Thiercelin, ils partageront, entre autres, la passion pour le jazz et fréquenteront assidûment Julio Cortázar parmi tant d'autres mémorables figures des Arts et des Lettres. Partagé entre Bruxelles et Paris, il rencontre la plupart des artistes et poètes surréalistes du monde entier ; il expose notamment à Paris, à Rome, en Allemagne, au Danemark et au Brésil.

En 1964, à l'occasion de ses 30 ans, une grande exposition lui est consacrée au Palais des Beaux-Arts de Bruxelles.

Après la Pologne en 1980 (Poznañ, Varsovie...), le Musée d’Ixelles à Bruxelles propose sa première rétrospective en Belgique, en 1983.

Féru de musique ancienne, classique et contemporaine, Jacques Lacomblez a réalisé d'importants hommages picturaux à Mahler, Sibelius, Xenakis, Feldman, L. Nono, Grisey ou Ferneyhough... et pour le jazz à Duke Ellington, Thelonious Monk et Ornette Coleman. Il a également illustré plusieurs recueils de poètes, préfacé de nombreux catalogues d’exposition et ses poèmes ont été illustrés par divers artistes.

Sous son impulsion, plusieurs petites maisons d'édition belges et françaises ont fait (et vont faire) place à des auteurs comme Guy Cabanel, Roger Brielle, Gilles Petitclerc, Ludovic Tac et, bien sûr, ses amis Claude Tarnaud et Jean Thiercelin.

Une anthologie de ses poèmes établie par Alain Le Saux, "D'Ailleurs le désir", a paru aux Éditions Les Hauts-Fonds (Brest).

Ses œuvres ont été acquises par plusieurs collections et musées dont les Musées d'Art Moderne de Bruxelles, Rome, Jérusalem (collection Schwarz), Varsovie et Poznan.

Pour célébrer ses 75 ans et 60 ans de création, elles ont été présentées en automne 2009 dans une rétrospective organisée au Musée d'Art et d'Histoire de Saint-Brieuc (Bretagne), en partenariat avec le Collectif des artistes plasticiens des Côtes d'Armor.

À l'occasion de ses 80 ans, la Galerie Quadri (Bruxelles) a présenté, au printemps 2014, une exposition rétrospective "Images de 1951 à 2013" ; à cette occasion est sortie de presse de presse une monographie illustrée en couleur avec des textes inédits de Guy Cabanel, Jean-Michel Goutier & Laurens Vancrevel qui complète celle déjà parue aux éditions Quadri en 2004..
Raimundo Camilo
Brazil
1939
Art brut
Marinela Pelosi
Brazil
Né en 1957
Art brut
Jean Benoit
Canada
1922-2010
Surrealism
Mimi Parent
Canada
Surrealism
Mimi Parent, née Marie Florence1 Parent le 8 septembre 1924 à Montréal et morte le 14 juin 2005 à Villars-sur-Ollon (Suisse), est une artiste peintre surréaliste canadienne.

Mimi est la huitième des neuf enfants de l'architecte Lucien Parent.

Après sa scolarité au couvent des Dames du Sacré-Cœur2, elle étudie la peinture à l'École des Beaux-Arts de Montréal en 1942 où elle travaille dans l'atelier d'Alfred Pellan3. Au sein d'un groupe contestant l'académisme de l'enseignement, elle rencontre Jean Benoît. En 1947, pour cause d'indiscipline, elle et Jean Benoît sont renvoyés de l'école.

En 1948, Mimi Parent vend toutes ses œuvres à la galerie Dominion de Montréal qui organise sa première exposition personnelle. Elle épouse Jean Benoît et tous deux obtiennent une bourse du gouvernement français pour venir étudier à Paris4.

En 1949, elle expose au Salon de l'Art libre organisé au musée d'Art moderne de la ville de Paris. en 1954, en compagnie de son mari, elle représente le Canada pour l'Exposition de la jeune peinture au Palais de Tokyo1.

En 1959, elle rencontre André Breton et entre au groupe surréaliste.

Elle contribue à l'organisation de l' Exposition inteRnatiOnale du Surréalisme (EROS) présentée du 15 décembre 1959 au 15 février 1960 à Paris. Avec Marcel Duchamp, elle conçoit la maquette du catalogue et réalise la salle du Fétichisme. Elle présente également une boîte verte intitulée Boîte Alerte - Missives Lascives dans laquelle des idées pouvaient être « envoyées ». C'est le début d'une série de boîtes surréalistes.

Jusqu'en 1987, Mimi Parent participe aux principales expositions surréalistes dont :
. Exposition internationale du surréalisme à la galerie Daniel Cordier, à Paris, en 1959,
. Mostra internazionale del Surrealismo à la Galleria Schwarz de Milan, en 1960,
. L'Écart absolu organisée par Breton à la galerie de l'Œil, à Paris, en 1965,
. A Phalla, à la fondation A. Alvarez Pentadeo de São Paolo, en 1967,
. Exposition international du surréalisme aux musées de Prague, Brno et Bratislava en Tchécoslovaquie, en 1968,
. La Femme et le surréalisme au musée cantonal des Beaux-Arts de Lausanne, en 1987.

En voulant multiplier les passage de l'image plate au volume et inversemment, Mimi Parent ne cesse d'introduire dans ses peintures toutes sortes de techniques qui vont de la broderie à l'incrustation en passant par le collage. Ses œuvres sont régulièrement publiées dans les revues surréalistes Bief, La Brèche et L'Archibras.

En 2004, le Musée national des Beaux-Arts du Québec consacre une exposition au couple Parent-Benoît.

Après sa mort en 2005, ses cendres (ainsi que celles de son mari, mort en 2010), ont été dispersées au château de Lacoste, Vaucluse, ayant appartenu au marquis de Sade.
Œuvres

Autoportrait au chat, 1945, huile sur toile collée sur carton, 75,4 x 78,7 cm, Musée national des beaux-arts du Québec5,6
Nature morte, 1948 ou avant, huile sur carton, 61,3 x 61,3 cm, Musée national des Beaux-Arts du Québec1,7
J'habite au choc, 1949, première version8
Sans titre, 1951, huile sur toile, 73 x 92 cm, collection particulière9
J'habite au choc, 1955, deuxième version, huile sur bois, 62 x 87 x 8 cm, collection privée10
La Cravate en cheveux, 1959, tableau-objet, collection particulière11
Masculin-Féminin, 19598
Boîte alerte, 1959, carton et papier, 28,0 x 17,9 x 6,4 cm, collection particulière12
La Crypte du fétichisme, 1959, assemblage d'une vingtaine d'objets symbolisant le fétichisme13
Le Veilleur de nuits, 1959 ou 1960, huile sur toile, 74 x 92 cm, Collection Musée national des Beaux-Arts du Québec14
Pour Diane, 19758
Le passage du mervillon, 1975, huile sur contreplaqué et matériaux divers, 52,5 x 65,0 x 7,5 cm, collection privée15
Reliquaire pour un crâne surmodelé du Moyen-Sepik, 1976, matériaux divers, 49,0 x 26,7 x 26,7 cm, collection privée16
La Belle cheval, 1982, boîte-relief, 76,5 × 51,9 cm, Galerie François Petit17
Panthère noire, vers 1983, huile sur contreplaqué et matériaux divers, 73,7 x 101,5 x 18,5 cm, collection particulière18
Les très riches heures du marquis de Sade, 1989, huile sur contreplaqué et matériaux divers, 102,0 x 73,5 x 16,5 cm, collection particulière19
Espace bleu, 1991, boîte-relief, 63 × 77 cm, collection particulière20
Adieu vieux monde, 1991, huile sur contreplaqué et matériaux divers, 86,0 x 94,0 x 17,5 cm21
Anne, ma soeur Anne, 1994, huile sur contreplaqué et matériaux divers, 70,0 x 92,0 x 16,5, collection de l'artiste22
Maîtresse, 1996, cheveux, cuir, huile et bois, 47,5 x 34,5 x 5,7 cm, collection particulière23

Bibliographie

Adam Biro & René Passeron, Dictionnaire général du surréalisme et de ses environs, Fribourg, Office du Livre, et Paris, Presses universitaires de France, 1982, p. 318.
André Breton, Le Surréalisme et la peinture, Paris, Gallimard, 1965, p. 390.
Georgiana Colvile, Scandaleusement d'elles. Trente-quatre femmes surréalistes, Paris, Jean-Michel Place, 1999, p. 228-234, avec une photographie de l'artiste réalisée en 1977 par Marion Kalter.
Annie Le Brun, « Nostalgiques tableaux de proie », préface pour l'exposition de Mimi Parent, Galerie André-François Petit, mai-juin 1984, dans À distance, Paris, Jean-Jacques Pauvert aux éditions Carrère, 1984, p. 238-242.
Danielle Lord, Mimi Parent, Jean Benoît : surréalistes, Québec, Musée national des beaux-arts du Québec, 2004.

Notes

? a b et c Trépanier, Esther, 1951- et Musée national des beaux-arts du Québec., Femmes artistes du XXe siècle au Québec : œuvres du Musée national des beaux-arts du Québec, Musée national des beaux-arts du Québec, 2010 (ISBN 9782551198573 et 2551198577, OCLC 657061520, lire en ligne [archive]), p. 100,248
? A. Biro, op. cit.
? Comité de rédaction, Anne-Marie Bouchard ; auteurs, Kasia Basta ... et [al.], Croire, devenir, ressentir, imaginer, revendiquer : 350 ans de pratiques artistiques au Québec, Québec, Musée national des beaux-arts du Québec, novembre 2018, p. 58
? Colvile, op. cit.
? Reproduction dans E. Trépanier, op. cit.
? « Autoportrait au chat | Collections Musée national des beaux-arts du Québec » [archive], sur collections.mnbaq.org (consulté le 2 février 2019)
? « Nature morte | Collections Musée national des beaux-arts du Québec » [archive], sur collections.mnbaq.org (consulté le 2 février 2019)
? a b et c Cité dans Biro, op. cité
? Reproduction dans D. Lord, op. cit., p. 72
? Reproduction dans D. Lord, op. cit., p. 73
? Reproduction dans Colvile, op. cit., p. 233
? Reproduction dans D. Lord, op. cit., p. 19
? Reproduction dans D. Lord, op. cit., p. 18
? « Mimi Parent | Collection Musée national des beaux-arts du Québec » [archive], sur collections.mnbaq.org (consulté le 2 février 2019)
? Reproduction dans D. Lord, op. cit., p. 82
? Reproduction dans D. Lord, op. cit., p. 83
? Reproduction dans Colvile, op. cit., p. 230
? Reproduction dans D. Lord, op. cit., p. 88
? Reproduction dans D. Lord, op. cit., p. 90
? Reproduction dans Colvile, op. cit., p. 231
? Reproduction dans D. Lord, op. cit., p. 91
? Reproduction dans D. Lord, op. cit., p. 98
? Reproduction dans D. Lord, op. cit., p. 99

Liens externes
Slavko Kopac
Croatia
1913-1995
Art brut
Après des études à l'académie des beaux arts de Zagreb, Slavko Kopa? fait un stage d'un an à Paris, de 1939 à 1940, avec une bourse que lui a accordée le gouvernement français3. Puis, à cause de la Seconde Guerre mondiale, citoyen croate, il est obligé de retourner dans l'État indépendant de Croatie où il arrive en avril 1941 après être passé par Mostar plusieurs semaines et avant d'atteindre la capitale pour enseigner au Lycée de Zagreb jusqu'en 19434.

De 1943 à 1948, il arrive à passer en Italie et vit et travaille à Florence. En août 1948, il s'installe définitivement à Paris et rencontre Jean Dubuffet puis devient le conservateur de la collection de La compagnie de l'art brut dont il est un des fondateurs5. Il fait également partie des artistes dont des œuvres furent conservées à la Collection de l'art brut de Lausanne.
Œuvre
Slavko Kopa? fut un ami et employé de Jean Dubuffet, dont plusieurs œuvres ont été intégrées dans la collection d'Art brut et la « Neuve invention » avant que le premier ne les retire pour les léguer à un musée en Croatie. Son œuvre a été exposée à partir de 1977 à Zagreb, et au Paris Art Center en 1981. La Galerie Alphonse Chave lui a rendu hommage en 1985 en l'exposant aux côtés de Jean Dubuffet à Vence, sous le titre Salut à Jean Dubuffet. Enfin, une importante rétrospective lui est consacrée en 2022 à Zagreb dans le Pavillon Meštrovi? en 2026.
Roberto Alvarez-Rios
Cuba
1932-2015
Surrealism
Né à Cuba, La Havane, en 1932 et décédé à Saint-Benoît, Île de la Réunion, en 2015.

Peintre, dessinateur et sculpteur, Roberto Àlvarez Ríos intègre l’école des Beaux-Arts en 1949 de la Havane, où il étudie la gravure et la sculpture. Sa rencontre avec Wifredo Lam en 1950 va faire évoluer son style vers le surréalisme. Il s’installe à Paris en 1958 pour étudier aux Beaux-Arts, puis rencontre Roberto Matta et André Breton. Ces derniers tenteront de l’intégrer dans leur mouvement, mais Àlvarez-Rios préfère continuer à développer son art. L’artiste représente Cuba avec Lam en 1971, lors du Festival International des Arts Plastiques à Luchon. Les oeuvres de Roberto Àlvarez-Rios se trouvent dans des musées internationaux comme le Musée National de la Havane, le Musée des Beaux-Arts de Santiago du Chili, et le MAM de Paris. Roberto Àlvarez Ríos a vécu et travaillé à la Ruche, fondation située à Paris et créée par Alfred Boucher (en 1900) réunissant aujourd'hui de nombreux artistes.
Jorge Camacho
Cuba
1934 - 2011
Surrealism
Né le 5 janvier 1934 à La Havane, et mort le 30 mars 2011 à Paris 15e1,2, est un peintre, dessinateur, graveur cubain lié au surréalisme.

En 1952, il abandonna ses études de droit pour se consacrer entièrement à la peinture.

Au Mexique, en 1959, il rencontra le peintre José Luis Cuevas et ensemble ils entreprirent un long voyage aux sources de la culture maya.

Camacho arriva à Paris en 1959, où il retrouva ses amis: le sculpteur Agustín Cárdenas qui le présenta à André Breton en 1961 et le peintre Joaquin Ferrer. Il intègra très vite le groupe surréaliste. « Celui qui piège », ainsi que le désignait Breton en 1964, restera fidèle à ses premiers engagements.

L'espace pictural de Jorge Camacho aborde des mondes torturés, où l'ésotérisme le plus sophistiqué côtoie un chamanisme surprenant. Au-delà de ces marques, les tableaux de Jorge Camacho expriment un univers poétique, sous l'éclairage raffiné d'une palette fauve.

Écriture, photographie, musique — c'était un amoureux du jazz et du flamenco — tout comme sa passion pour l'alchimie, l'occultisme ou l'ornithologie sont des appoints décisifs à son travail de peintre.

Il a illustré notamment les œuvres poétiques de Jean-Pierre Duprey, Gilbert Lely, Guy Cabanel, Joyce Mansour, Claude Tarnaud.

Il a traduit de l'espagnol en français des poèmes du poète haïtien Magloire Saint-Aude.

Jorge Camacho vivait et travaillait entre Paris et l'Andalousie depuis 1975.

Todo el mundo habla de surrealismo, pero son muy pocos los que lo comprenden (« Tout le monde parle de surréalisme, mais bien peu le comprennent »), Jorge Camacho.
Joaquin Ferrer
Cuba
1928-2022
Surrealism
Joaquín Ferrer, né le 4 octobre 1928 à Manzanillo (Cuba) et mort le 25 mars 20221 dans le 14e arrondissement de Paris2, est un artiste peintre, dessinateur et graveur lié au mouvement de l'abstraction lyrique.

Après avoir étudié à l’École des Beaux?Arts de La Havane, il fait l’objet chaque année, entre 1954 à 1958, d’une exposition personnelle au salon annuel du Musée d’Art moderne de la capitale cubaine. En 1960, le Ministère de l’Éducation lui accorde une bourse pour aller étudier l’art à Paris. Son voyage prend un caractère décisif, car l’artiste décide de s’y installer et y réside toujours. En 1968, sa première exposition parisienne préfacée par Max Ernst a lieu à la galerie Le Point Cardinal qui va désormais présenter régulièrement son travail.

« […] Quant aux jeunes, je les plains. Comment n’ont-ils pas l’impression que tout a été fait avant eux ? On a tort d’en faire des dieux avant même qu’ils aient eu le temps de s’exprimer. L’un d’eux, Ferrer, est un peu ma découverte. Loin du Pop Art, du Mec’Art et de leurs succédanés, il me paraît profondément authentique […] »

— Max Ernst3

Il est exposé en France à la Fondation Maeght, au Musée d’Art moderne de la Ville de Paris et en Europe (Belgique, Suisse…). En complément de son travail de peintre, Joaquin Ferrer a aussi développé un œuvre important de graveur en illustrant de nombreux ouvrages de poètes et d’écrivains. Le style de Joaquin Ferrer tend vers l'abstraction lyrique, avec des figures construites comme des casse?têtes qui ne sont pas sans rappeler les arts premiers4.
Biographie
Naissance (1928)

Joaquín Ferrer Marquines est né le 4 octobre 1928 à Manzanillo, petit port de pêche de la pointe orientale de Cuba. Par suite d’une erreur administrative, cette date de naissance est parfois donnée comme le 4 juillet 1929. Son père, Joaquín Ferrer Herrera, exerce, comme ses ancêtres, le métier de tailleur. Sa mère, Altagracía Marquinez López, élève une famille de quatre enfants, deux garçons et deux filles5.
Jeunesse (années 1930-1940)

Le jeune Joaquín va à l’école primaire puis à l’école supérieure de Manzanillo. Très jeune, il se plaît à dessiner et à copier des tableaux. La présence américaine à Cuba se traduit par un clivage avec le reste de la population plus pauvre, mais les enfants n’en souffrent guère. Son père souhaite que l’adolescent reprenne la tradition familiale mais celui-ci est de plus en plus attiré par les arts. En 1948, il travaille à la Compagnie des chemins de fer. Fasciné par l’aviation, il prend des cours de pilotage mais il y renonce dès ses premières expériences pratiques5.
La Havane (années 1950)

Avec l’appui de son oncle, contre le gré de ses parents, il s’inscrit à l’École des beaux-arts de San Alejandro à La Havane. Il se lie à un autre étudiant, Agustín Cárdenas. Avec quelques autres élèves, il est hébergé et nourri à la prison du Castillo del Príncipe, près de l’école, commodité réservée aux étudiants impécunieux. À cette époque, il fréquente déjà, à l’extérieur de l’école, un autre futur peintre, Jorge Camacho. Leur aîné, Wifredo Lam, lui conseille de renoncer aux cours de l’École des beaux-arts, selon lui peu utiles. Joaquín Ferrer suit cet avis. En 1954, il montre ses œuvres pour la première fois au Salon de peinture du Musée d’art moderne de La Havane, et dans d’autres capitales latinoaméricaines. Il épouse Gina Pellón Blanco dont il se séparera et divorcera officiellement en 1971. Première exposition personnelle en 1955 à la galerie La Rampa, à La Havane puis en 1956 à la galerie Lyceum et en 1957 à la galerie Color Luz. Il travaille au Musée d’art moderne avec Cárdenas et Estopeñan et dans une petite galerie, Centro de Arte Cubano, en face de la cathédrale. Il réalise des gravures et, au Musée d’art moderne, une mosaïque dont une coquille dépare la signature en Ferret. La révolution de 1958-1959 à Cuba fait grand bruit dans le monde. En 1959, il reçoit une bourse du ministère de l’Éducation pour lui permettre d’étudier à l’étranger. Embarqué sur la « Reina del Mar », il arrive à La Rochelle le 8 décembre et se rend à Paris5.
Paris (années 1960)

À Paris, le monde intellectuel est en pleine effervescence pro-cubaine. Il loge à la Cité universitaire ; Lam et Cárdenas l’accueillent et le conseillent. La bourse mensuelle de 100 dollars est irrégulière mais la Maison de Cuba est tolérante. Il visite avidement les musées et les galeries de Paris et prend des cours de français à l’Alliance française. En 1961, il expose parmi les « Artistes cubains contemporains » à la galerie du Dragon puis à la galerie Epona. La Maison des jeunes de Clichy expose « Cuba et Cubains » et en 1962 dans l'exposition collective « Art latino-américain » au Musée d’art moderne, à Paris. En 1963, il participe à la IIIe Biennale de Paris au Musée d’art moderne. Lors d’une exposition collective au cinéma-galerie Le Ranelagh, premiers contacts avec le surréalisme. Il s’installe dans un atelier à Pigalle. Pendant près de deux ans, un groupe d’amateurs lui verse individuellement de quoi survivre. Première exposition à la galerie Maya à Bruxelles, et aux Pays-Bas. Il expose dorénavant régulièrement à la galerie du Dragon et dans de nombreuses expositions collectives et des salons : Réalités nouvelles, Grands et jeunes d’aujourd’hui, Comparaisons, etc. Il revoit fréquemment d’autres Cubains de Paris dont Alejo Carpentier. Il rencontre André Breton, Jean Benoît et Édouard Jaguer à la galerie L’Œil lors de l’exposition « L’Écart absolu ». Il rencontre Alain Bosquet par l’intermédiaire duquel Max Ernst demande à le connaître. En 1967, participant à l’exposition « Artistes solidaires d’Israël », il entre en contact avec les membres du Comité d’honneur, Max Ernst, Joan Miró, André Masson et Marc Chagall. Ernst visite son atelier et achète trois peintures puis invite chez lui Jean Hugues, Alexandre Iolas et Bertie Urvater. Hugues lui demande rendez-vous le lendemain et lui propose une exposition dans sa galerie, Le Point cardinal. L’exposition du Point cardinal est préfacée par un dessin-collage légendé de Max Ernst. Les révoltes étudiantes de ce mois de mai n’entravent pas le succès commercial de l’exposition. C’est le début d’une fructueuse collaboration. Il sera mensualisé et régulièrement exposé pendant dix ans. Sa fille Monia naît en décembre 19685.
Années 1970 - 1980

L’existence du peintre est désormais égale. Installé boulevard Brune depuis 1977, il épouse Anne Jézéquel (décédée en 1993), la mère de sa fille, en 1978. En 1979, il est naturalisé français. Il se passionne pour l’art extra-européen. Son quotidien se passe dans son atelier ou en contact avec ses amis : Lam, Ernst, Camacho, Cárdenas, Matta, Miró, Luca, Bosquet toujours fidèle, et beaucoup d’autres. Il voyage (Mexique, Italie, Belgique, Espagne, Pays-Bas) et passe fréquemment les vacances d’été chez Urvater à Palma de Majorque. Les expositions personnelles se succèdent : au Point cardinal, mais aussi à Genève (Engelberts), Bruxelles (Epsilon), Lima (Camino Brent)5…
Années 1990 - 2000

Sa fille Aïa naît en 1992. Il se marie avec Christiane Créteur en 1996, mère de sa fille5.

La monographie Joaquín Ferrer, l’imaginaire absolu dont le texte est dû à Lionel Ray paraît en 2001 aux éditions Palantines. L’organisation d’une exposition rétrospective de l’œuvre de Joaquín Ferrer est décidée à l’initiative de la Maison de l’Amérique latine en 20165.
Alejandro Ramon
Cuba
1943
Surrealism
Ramón Alejandro naît le 16 février 1943 à Cuba et passe son enfance dans les faubourgs de La Havane, à La Víbora. Il est le petit-fils et neveu de peintres issus des écoles des Beaux-Arts de Madrid et de La Havane. En 1960, il quitte sa famille et Cuba pour voyager de par le monde et visiter de nombreux musées pour voir les originaux des œuvres qui le fascinaient au travers de leurs reproductions ou leurs copies réalisées par son grand-père, admirer le baroque exubérant de certaines églises et se former au métier. Il se rend d'abord en Amérique du Sud, en Argentine, au Brésil et en Uruguay. Il entame même des études aux Beaux-Arts de Buenos Aires. Il arrive en Europe en 1963.

Après un tour d'Espagne, passant notamment par les Asturies, terre de ses ancêtres, il se fixe à Paris en 1963 et s'inscrit dans l'atelier de gravure de Johnny Friedlaender. Il acquiert la nationalité française, fonde une famille et installe son atelier au pied de la butte Montmartre, après avoir vécu à Madrid entre 1976 et 1978. Sa femme, l'artiste peintre Catherine Blanchard, meurt en 1993. Il cherche alors à se rapprocher de son île natale en séjournant à Miami de 1995 à 2004. Il ne parvient pas à s'installer durablement à La Havane en 2005 et se fixe à Mexico en 2007 mais, après un retour à Paris, il revient à Miami en 2011, dans le quartier de South Beach, près de son fils. Il y réside actuellement.
Karel Havlicek
Czech Republic
1907-1988
Karel Havlicek est né le 31 décembre 1907 à Berlin, dans une famille cultivée. En 1923, il s'installe avec ses parents à Prague, il étudie à la faculté de droit de l'université allemande, en 1934 il obtient son diplôme de docteur en droit.

Karel Havlicek est chef de la police mais à l’arrivée du régime communiste, il est rétrogradé à un poste subalterne.

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Un jour, alors qu’il marchait dans la rue, il s’arrêta et regarda le ciel puis dit à sa femme : « A partir d’aujourd’hui, je vais faire un dessin par jour pour remercier la vie ».

Il a été découvert en 1948, par Karl Teige, le grand théoricien d’art tchèque proche des surréalistes.

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Son œuvre qui représente le plus souvent des métamorphoses de visages, d’animaux monstrueux, peut être lue comme une métaphore du système communiste dont il subit les discriminations et la censure.

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Tout comme Friedrich Schröder Sonnenstern, son œuvre se situe à la lisière de l’art brut et de l’art surréaliste.

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Stanislas Holas
Czech Republic
1905-1989
Art médiuminique
Stanislas Holas est un artiste médiumnique d’un cercle spirite de Moravie du Sud.

Tonnelier de métier, il fut ensuite gendarme.

Il dessine très tôt jusqu’à un âge très avancé, avec de longues pauses. Il intensifie sa production après la mort de sa femme, en 1969.

Ses dessins sont présentés dans diverses expositions médiumniques en Tchécoslovaquie et à New York en 1937.

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Les représentations figuratives de ses premiers dessins (autour des années 1920) disparaissent dans les œuvres des années 1940, qui représentent des objets vibrants aux couleurs chaudes, ou des formes rondes et ondulatoires. Sur certains de ses dessins on distingue des écritures spirites. A partir des années 60, il travaille à l'encre de chine qui témoigne de son inspiration puisée dans les ornements caractéristiques des costumes folkloriques de la Moravie du Sud.
Lubos Plny
Czech Republic
né en 1961
Art brut
Jan Svankmajer
Czech Republic
1934
Surrealism
Jan Švankmajer, né le 4 septembre 1934 à Prague, est un réalisateur surréaliste tchèque connu notamment pour ses films d'animation. Son dernier film, Survivre à sa vie (théorie et pratique) (P?ežít sv?j život [teorie a praxe]), en prises de vue réelles, est sorti dans les salles en 2010. Son travail a notamment influencé les frères Quay, Tim Burton et Terry Gilliam.
Ivan Tovar
Dominican Republic
1942
Surrealism
Iván Tovar, né en 1942 à San Francisco de Macorís en République dominicaine, est un artiste peintre et graveur que l'on rattache au néo-surréalisme.

De 1963 à 1983, il vit et travaille à Paris. Il commence à exposer à la Biennale de Paris (1963, 1er artiste dominicain exposé), puis à Luxembourg, Stockholm, Lisbonne et New York.

Ses compositions les plus connues expriment sur de larges surfaces très colorées des figures chimériques, à la fois anthropomorphiques et animales, presque biomécaniques, qui rappellent parfois l'univers d'un Yves Tanguy ou d'un Richard Lindner.
André Bauchant
France
1873-1958
Outsider Art
André Bauchant, né le 24 avril 1873 à Château-Renault en Indre et Loire et mort le 12 août 1958 à Montoire-sur-le-Loir est un peintre naïf autodidacte.
Biographie

André Bauchant naît dans l'Indre-et-Loire, à Château-Renault, au 8 de la rue Marceau, dans le quartier du Pichon, d’un père pépiniériste et d’une mère couturière. Il quitte l’école à quatorze ans pour travailler la terre dans l’exploitation familiale.

En 1900, il épouse Alphonsine Bataillon. Ils font leur voyage de noces à Paris, lors de l’exposition universelle, et visitent le pavillon des Beaux-Arts où André achète des livres d’histoire et de mythologie...

Jusqu’en 1914, il est pépiniériste, son seul loisir étant ses livres. Lorsque la 1re guerre mondiale éclate, André Bauchant est mobilisé, à l'âge de 42 ans. En 1915, il est envoyé aux Dardanelles où il découvre la Grèce qu'il connaissait à travers ses lectures. Pour passer le temps, il crayonne les paysages environnants. Au bout de neuf mois, malade, il est rapatrié puis l'armée ayant besoin de telemetreurs, il fait une formation. Il apprendra à dessiner avec exactitude et rigueur les paysages et les reliefs et à révéler un talent dont il n'avait pas encore conscience.

Libéré en 1919, il retrouve sa femme malade et son exploitation en friche. Il se retire dans les bois dans un ancien moulin à tan, La Blutière, à Auzouer-en-Touraine. C'est là qu'André Bauchant commence à peindre. Il n'a pas d'argent. Il utilise tous les supports qu'il peut trouver : les draps et les torchons du trousseau d'Alphonse, du carton, des caisses en bois, du cuivre.

Il peint dans une pièce sans lumière avec des peintures "chinees " chez le peintre en bâtiment. En 1921, il expédie seize toiles au Salon d'Automne ; neuf sont retenues. C’est au cours de cette première participation que le peintre Amédée Ozenfant et l’architecte Le Corbusier remarquent sa peinture naïve et poétique ; ils deviennent ses premiers acheteurs et amis. En 1927 et 1928, Jeanne Bucher organise, dans sa galerie parisienne, la première exposition privée en montrant 75 toiles. C'est l'époque où Wilhelm Uhde le rencontre et l’associe aux « primitifs modernes ».

En 1928, il fait construire sa maison aux Tourneboeufs, à Auzouer-en-Touraine. Il peint désormais à plein temps et aborde différents thèmes : des scènes mythologiques et des tableaux religieux, des portraits, de très nombreux paysages, des bouquets et autres compositions florales, des oiseaux…

La même année, le directeur des Ballets russes, Serge de Diaghilev, découvre ses toiles et lui commande les décors pour la création d'Apollon musagète, un ballet de George Balanchine, sur la musique d'Igor Stravinsky ; il lui achète un tableau Champs-Élysées.

En 1937, André Bauchant participe à Paris à une exposition organisée par Andry-Farcy, conservateur du Musée de Grenoble, regroupant les principaux peintres autodidactes. Cette exposition s’intitule « Les Maîtres Populaires de la Réalité ». La même année, elle est présentée à Zurich, puis à Londres et enfin à New York. Les tableaux de Bauchant s’exposent et se vendent bientôt dans le monde entier. En 1939, il se rend en Hollande pour rencontrer un peintre, autodidacte et horloger de son métier, Dick Oudes ; il y fait également connaissance du peintre allemand Erwin Bowien (1899-1972) qui exécute son portrait1.

En 1943, sa femme Alphonsine meurt après une longue maladie.

En 1949, à Paris, 215 toiles sont exposées à la galerie Charpentier. L'année suivante, Bauchant est nommé au grade de Chevalier de la Légion d’honneur pour ses 54 ans d’activité artistique et de service militaire. Pour Bauchant, qui a 77 ans, cette consécration est un symbole fort de réussite. Au mois de décembre, il épouse en secondes noces Marie Joly, sa gouvernante.

André Bauchant, vieillissant, désire habiter une maison en ville, celle des Tourneboeufs étant à l’époque isolée dans la campagne. Son goût pour la vallée du Loir lui fait rechercher une maison à Montoire-sur-le-Loir. En 1955, il y achète une grande maison et installe son atelier au premier étage. À l’époque, vu son grand âge, il ne sort guère, mais reçoit beaucoup : des amis et acheteurs venus de Paris, des amis de Tours, tous ceux que sa peinture a piqué de curiosité jusqu'à venir rencontrer le peintre…

Malade, il est victime d’une congestion cérébrale en décembre 1956, mais il continue à peindre, des fleurs, des arbres fruitiers, des kermesses, des paysages de la vallée du Loir…, jusqu’en septembre 19572.

Le 12 août 1958, à 85 ans, André Bauchant s’éteint paisiblement. Il repose au cimetière de Montoire-sur-le-Loir, allée des Roses, laissant derrière lui une œuvre considérable et quelques toiles inachevées ; en 40 ans il a peint environ 3 000 toiles, répertoriées en 2005 dans le catalogue raisonné de son œuvre3.
Inspiration

Peintre autodidacte, André Bauchant peint des sujets historiques, mythologiques ou inspirés par la Bible ; ses tableaux sont réalisés dans une veine naïve et vivement colorés. Il puise aussi son inspiration dans des livres, comme La France illustrée de Malte-Brun, Petit Larousse illustré ou la Géographie d’Adolphe Joanne, ainsi que dans des ouvrages pratiques (le Catalogue des graines Clause et Truffaut par exemple)

Mais il s'inspire aussi de scènes de la vie quotidienne (marchés, moissons, vendanges…), des paysages de Touraine et de sa ville natale Château-Renault, ainsi que de ses souvenirs de voyage (Grèce, Détroit des Dardanelles, Hollande, Saint-Paul de Vence, les Pyrénées lors d 'un pèlerinage à Lourdes)). il peint ses relations proches (médecin, cordonnier, son facteur) et la nature (fleurs, arbres, fruits, oiseaux et autres animaux).
Expositions

Trésors du Petit Palais de Genève - De Renoir à Kisling, palais de la Bourse, Chambre de commerce et d'industrie de Marseille, juin-octobre 1990.
Pierre Bettencourt
France
1917-2006
Outsider Art
Après des études secondaires au Havre et en Savoie, Pierre Bettencourt suit au Collège de France le cours de poétique de Paul Valéry.

Écrivain et plasticien, il édite ses premiers textes sur sa propre presse à bras, dans la maison familiale de Saint-Maurice-d'Ételan, occupée par les Allemands.

Tout au long de sa vie, en plus de ses œuvres, il publiera aussi Antonin Artaud, Francis Ponge, Henri Michaux, Bernard Collin, Jean Dubuffet. De son côté, il écrira sous son propre nom, mais aussi sous pseudonyme. Ainsi, il signe de Jean Sadinet ses œuvres érotiques.

À partir de 1941, il se consacre à la typographie et publie, toujours sur sa presse, ses premiers livres aux colophons souvent singuliers, poétiques ou sarcastiques, mais aussi des textes inédits d'Henri Michaux (Tu vas être père), d'Antonin Artaud (Le Théâtre de Séraphin), de son ami Dubuffet (Plukifekler), de Francis Ponge (Le Galet), etc. Il n'hésitait pas à faire appel aux plus grands noms pour illustrer les livres qu'il éditait1, tout en refusant la médiatisation2.

En 1953, après un séjour à Saint-Michel-de-Chaillol avec Dubuffet, Bettencourt compose ses premiers hauts-reliefs où interviennent, sur des fonds peints, des matériaux non conventionnels (fragments d'ardoise, grains de café, coquilles d'œuf…) qui donnent aux figures leur texture singulière et leur épaisseur inquiétante.

Essentiellement thanato-érotiques, ces hauts-reliefs ressortissent du domaine de l'art brut. Ils expriment le caractère mystérieux et sacré de la vie en même temps qu'ils dévoilent avec une innocente crudité les fantasmes de l'artiste.

Bettencourt sera l'un des artistes contemporains exposé (et collectionné) par Daniel Cordier dans les années 1950-1960.

Pierre Bettencourt vivait à Stigny, depuis 1963. Il était marié à Monique Apple. Il est le frère de l'industriel et homme politique André Bettencourt.
Anselme Boix-Vives
France
1899-1969
Art brut
De sa jeunesse de berger catalan, Anselme Boix-Vives a gardé le souvenir flamboyant de la nature. Venu s'installer en France à l'âge de 18 ans, il y exerce divers métiers avant d'ouvrir un commerce de fruits et légumes à Moûtiers en 1926.

Au milieu des années 1950, il entame un projet utopique qu'il portera toute sa vie, un « plan de paix mondiale », manifeste à l'appui.

En 1962, à la mort de sa femme, il arrête son commerce et se consacre à la peinture. Durant sept années, il produira plus de 2 000 œuvres colorées, fortement expressives et originales, où la figure humaine, aux traits souvent simiesques, se mêle à des végétations luxuriantes.
Bona Bona Pieyre de Mandiargues
France
1926-2000
Surrealism
Bona ou Bona de Mandiargues, née Bona Tibertelli de Pisis à Rome le 12 septembre 1926 et morte le 25 août 2000, est une artiste-peintre, écrivain et poète française1.


C'est en voyant peindre son oncle Filippo De Pisis durant sa petite enfance que Bona prend goût à la peinture, et, en 1939, elle s'inscrit à l'institut d'art A. Venturi à Modène. En 1945, elle reçoit d'un psychiatre sa première commande pour un tableau.

En 1947, au cours d'un séjour à Paris, elle fait la connaissance d'André Pieyre de Mandiargues qui la présente aux surréalistes, ils se marient en 1950. Elle pose pour Man Ray et illustre les livres de son époux.

En 1952, sa première exposition personnelle est organisée à la galerie Berggruen, suivie d'une autre exposition à Milan.

En voyage au Mexique, en 1958, elle expérimente le collage de tissus qui devient son mode d'expression privilégié.
Quelques œuvres

Tableaux

La Leçon, huile sur toile, 1954
Autoportrait, acrylique sur toile, 1968
Portrait d'André Pieyre de Mandiargues, acrylique sur toile, 1968
Sybille dans l'atelier, collage de tissus et acrylique, 1983
Portrait d'Unica Zürn, assemblage en tissus, 1986
Portrait d'André Breton, assemblage en tissus, 1994

Écrits

La Cafarde, récit, Mercure de France, 1967
Paroles peintes V, avec Francis Ponge, gravures originales de Camille Bryen, Eduardo Chillida, Philippe Lepatre, Joan Miró et Raoul Ubac, Éditions O. Lazar-Venet, 1975.
Bonaventure, autobiographie, Stock, 1977
Poèmes, Fata Morgana, 1988

Source bibliographique

Georgiana Colvile, Scandaleusement d'elles. Trente-quatre femmes surréalistes, Jean-Michel Place, Paris, 1999, pages 30 et suivantes.

André Breton
France
1896 - 1966
Surrealism
André Breton, né à Tinchebray dans l'Orne, le 19 février 1896, mort à Paris le 28 septembre 1966, est un poète et écrivain français, principal animateur et théoricien du surréalisme.

Auteur des livres Nadja, L'Amour fou et des différents Manifestes du surréalisme, son rôle de chef de file du mouvement surréaliste, et son œuvre critique et théorique pour l'écriture et les arts plastiques, font d'André Breton une figure majeure de l'art et de la littérature française du XXe siècle.
Henri Bureau
France
1940 - 2014

Henri Bureau est né le 25 janvier 1940 à Cognac.

A 18 ans, après une scolarité désastreuse, il s’engage dans la Marine Nationale pour 3 ans. C’est à cette époque que les hasards de l’auto-stop lui font rencontrer son premier amour… et la chance de sa vie. Elle est secrétaire de rédaction d’un grand hebdomadaire, il sera vite fasciné par la vie mouvementée des reporters qu’il observe en attendant sa belle au café du coin.

Deux boitiers achetés d’occasion et un flash, cela suffit pour qu’un ami le présente dans une petite agence parisienne de photographie (APIS) comme un espoir de la profession alors qu’il n’y connaît rien.

En métro, puis avec une mobylette empruntée, commence la tournée des boîtes de nuit des Champs Elysées à traquer la starlette en mal de compagnon et les stars du showbiz. Les retours au petit matin dans le labo de l’agence près des Folies Bergères pour développer les pellicules, faire les contacts et choisir les meilleures images pour que le vendeur de l’agence puisse aller les présenter dans les journaux. Les rares relevés de vente, le plus souvent établis au dos d’un paquet de cigarettes, ne permettaient pas la grande vie. Le plus simple pour se nourrir, c’était les cocktails. Heureusement il y en avait chaque jour à Paris et, le réseau de la bande de crève-la-faim des paparazzis était très bien informé…

Pendant près de cinq ans, Henri Bureau a tenté d’être bon, si possible le meilleur, dans la tourmente des jeunes reporters ambitieux. La récompense est venue en août 1966: le directeur d’une des deux agences les plus importantes de Paris, les Reporters Associés, l’engage comme salarié et l’envoi 10 jours plus tard au Vietnam.
Cela a été le début de l’aventure du Grand Reportage.

Après les Reporters Associés, il entre au staff de Gamma en 1967, puis participe activement à la création de Sygma en 1973.

Vietnam, la guerre des Six jours, les divers conflits africains, puis la politique et les grands personnages : De Gaulle, Pompidou, Chirac, les voyages de Jean Paul II… Les grandes épidémies de famine et de choléra en Asie, la Révolution des Œillets à Lisbonne saluée par un prix du World Press. L’Irlande du Nord. Le mariage de Charles et Diana. Le Liban, la guerre Iran/Irak, le départ du Shah, la mort de Nasser, celle de Sadate, Mai 68 à Paris, coup d’état en Pologne …

Henri Bureau parcourt le monde pendant 20 ans.

Il pose ses appareils en 1982 et devient rédacteur en chef de Sygma. En 1986, il prend le poste de directeur de Presse Sport, l’agence photo de l’Equipe. Retour à Gamma comme rédacteur en chef, puis directeur de Roger-Viollet de 1995 à 2005.
Il s’éteint le 19 mai 2014 après une dernière guerre contre le cancer.

Henri Bureau a publié deux livres :
- Le Temps d’une Pause, éditions Arléa (1989)
- Bouclages, éditions Florent Massot (2010)

Patrice Cadiou
France
1947-2015
Outsider Art

Expositions personnelles :

2012 Nuits Talismatiques, Galerie Les Yeux Fertiles, Paris, France
2007 Galerie Joëlle Possémé, Paris, France
2000 Fort de Bellegarde, Le Perthus, France
1999 Galerie de Arte de la Riba, Cadaques, Espagne
1998 Galerie Ridel, Paris
1997 Fondation Taylor, Paris
1990 FIAC Galerie Jaquester
1989 Salon d’Angers
1989 Sigma, Bordeaux
1989 FIAC Galerie Faris, Paris
1987 Galerie Keller, Paris
1986 Galerie Ridel, Paris
1984 Galerie Site-Art Présent, Raymond Cordier, Paris
1981 Galerie Gérard Laubie, Paris
1978 Galerie Gérard Laubie, Paris
1977 Galerie d’Art Papelier, Metz
1976 Galerie d’Art de la Place Beauveau, Paris
1975 Galerie Huguerie, Bordeaux
1972 Galerie Condillac, Bordeaux
1970 Galerie de l’Académie. Lausannee Condillac, Bordeaux
1969 Galerie Moyon Avenard, Nantes
Nombreuses Expositions de Groupes de 1976 à 2006, en France et à l’étranger :

Espace Cardin, Hall Saint Pierre, Musées de Bouffémont, de Dieppe, de Pau et de Belfort, Palais de la Bénédictine.
FIAC : consécutivement avec les Galeries Jaquester, Raymond Cordier et Gérard Laubie.
SIGMA Bordeaux, Arelis Grand Palais etc...
Galeries Manséra, Ecofrica et Galerie du Casino en Espagne etc…

Collections publiques :
Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris
Musée de Belfort
Musée Prince Murat
FRAC Normandie
Musée Hermès

Collections privées :
France, Canada, Belgique, Suisse, Allemagne, U.S.A, Japon, Italie
Réalisation de portes-sculptures pour architectes et commandes privées
Aristide Caillaud
France
1902-1990
Outsider Art
Aristide Caillaud, né le 28 janvier 1902 à Moulins (Deux-Sèvres) et mort le 26 septembre 1990, est un peintre français dont l'œuvre s'apparente à l'art brut et à l'art naïf.


Né à Mauléon (Moulins) (Deux-Sèvres) d'un père ouvrier de ferme et d'une mère qui tissait des mouchoirs à Cholet, Aristide Caillaud entre en 1914, avec le soutien de son oncle (prêtre), au collège de Châtillon-sur-Sèvre et effectue ses études secondaires à Montmorillon. Il s'intéresse alors à la musique ancienne et à l'architecture, et anime une troupe de théâtre de jeunes. Appelé à faire son service militaire à Paris, il suit une préparation à Saint-Maixent où il acquiert le grade d'officier.

En 1937 Aristide Caillaud s'installe à Paris. Pour subsister il exerce différents métiers, dans l'épicerie aux Batignolles, dans la charcuterie que tient sa femme à Asnières. Mobilisé en 1939 à La Roche-sur-Yon comme lieutenant d'un régiment de Tirailleurs tunisiens, sa formation, encerclée, se replie sur la forêt de Mormal puis est faite prisonnière à Haubourdin. Il est emmené en captivité dans un « oflag » situé à une quarantaine de kilomètres de Dresde. En compagnie de Max Ingrand, dont le lit se trouve, dans sa chambrée, au-dessus du sien, il réalise en 1941 ses premiers dessins et participe en 1944 à la décoration de la chapelle du camp.

Libéré mais malade, Caillaud recommence à peindre en 1946 et expose au Salon des artistes libérés. En 1949 il participe à l'exposition de l'« Art brut » de Dubuffet et Jean Paulhan l'invite au Pavillon de Gallimard. À partir de 1950 il réalise ses premières expositions personnelles dans les galeries parisiennes.

Une première exposition rétrospective de la peinture de Caillaud est organisée en 1964 à Paris à la galerie Beno d'Incelli, d'autres sont présentées en 1971 aux maisons de la culture de Bourges et de La Rochelle ainsi qu'aux musées de Nantes et de Saint-Étienne. En 1974 et 1975 ses peintures sont exposées en Allemagne, à Stuttgart, Mayence, Berlin, Francfort et Cologne. Deux nouvelles rétrospectives sont réalisées en 1976 au Musée d'art moderne de Paris et en 1978 au Musée Sainte-Croix de Poitiers.

Il meurt le 26 septembre 1990 à Jaunay-Marigny1.

Après la mort du peintre, qui était retourné s'installer dans le Poitou à Jaunay-Clan, une exposition en quatre lieux est organisée à Niort en 2001.
Jacques Carelman
France
1929 - 2012
( Roger Chomeaux ) Chomo
France
1907-1999
Alfred Courmes
France